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Es un trabajo laborioso, a caballo entre el arte y el oficio, que requiere paciencia y talento. En España sólo se puede aprender en el Conservatorio Arriaga de Bilbao. Allí, una decena de alumnos de “luthier” descubre los secretos de los buenos instrumentos, aquellos que requieren al menos 450 horas de trabajo de una persona y que llegan a costar en el mercado 12.000 euros.

Por Inés Mendía. Fotografías de Carlos García

Química, física, matemáticas, un poco de pasión y alma de artesano. Éstas son las claves para ser un buen luthier. Unos consideran un arte lo que para otros es más bien un oficio que consiste en construir instrumentos de cuerda de forma artesanal, como violines. En nuestro país hay un centenar de talleres, pero sólo un conservatorio donde se imparten los estudios de luthería. Y ese lugar único es el Conservatorio de Música Juan Crisóstomo de Arriaga (Bilbao), que desde hace 15 años imparte esta disciplina.

Tras pagar 120 euros de matrícula por año y superar los tres cursos, unos pocos alumnos (hasta ahora unos 60, ya que cada año se incorporan una media de cuatro estudiantes, aunque siempre hay abandonos) obtendrán un diploma de capacitación otorgado por el Gobierno vasco, ya que no existe ninguna ley que regule esta especialidad. “Nuestro deseo es lograr una homologación y una titulación oficial universitaria”, reivindica Javier Guraya, profesor de Artesanía del conservatorio bilbaíno. Por eso, la esperanza está puesta en el Tratado de Bolonia, firmado por la Unión Europea, que permitirá en 2010 crear un espacio común europeo de estudios superiores.

Pero mientras llega ese momento, en el Conservatorio de Bilbao se vive el día a día. Este año estrenan edificio y esperan un aumento en el presupuesto para, por ejemplo, fabricar violonchelos y contrabajos. Ahora, sólo disponen de material para hacer violines y violas. Durante los tres años de formación, los alumnos —una decena en estos momentos— construyen dos instrumentos: uno será para ellos y otro se quedará como muestra en el conservatorio. También dedican tiempo a la fabricación del arco con cursos monográficos y prácticas. Además, reciben conocimientos de Acústica Musical o dan clases para aprender a tocar los instrumentos. Aunque la formación artesanal sigue siendo lo esencial, durante el último año se les imparte una asignatura relacionada con la formación empresarial para cuando monten su taller.

Asier de Benito, de 26 años y alumno de tercer curso, sabe ya qué hará al salir del centro: “Quiero montar un taller de construcción y restauración de instrumento clásico antiguo, de los siglos XVI y XVII, orientado al estudio de la música”. Este valenciano está fabricando también, en sus ratos libres, un guitarro murciano. “Tenía interés por construir una guitarra pequeña y practicar con la decoración y la marroquinería, para ver qué problemas pueden surgir y aplicar luego lo que aprenda a otros trabajos”.

También hay quien ya ha empezado en el oficio, pero desea aprender más, como Daniel Latorre, de 27 años. A este logroñés nacido en Uruguay le interesaba la música tradicional y montó, de forma autodidacta y con ayuda de algún cursillo, un taller. Respecto a la salida profesional, se muestra moderadamente optimista: “Creo que podré ganarme la vida con la reparación de instrumentos; aunque con la fabricación, que es lo que más me interesa, lo veo más difícil. Difícil, pero posible”, cuenta este alumno de primer curso.

Otros, como Michel Gasco, de 24 años, llegaron con un objetivo muy claro: “Toco la guitarra y quería hacerme una para mí. Me gustaría fabricar guitarras acústicas, de jazz, mandolinas… Investigar dentro del mundo de la cuerda pulsada, pero más moderna”, dice este joven salmantino que está a punto de acabar sus estudios.

Las manos de los luthieres más famosos han sido tradicionalmente masculinas. Sin embargo, cada vez hay más mujeres interesadas en este oficio artesanal. “Soy violista, toco la viola en dos orquestas de cámara y en un cuarteto”, explica Idoia Orueta. Bilbaína de 30 años, es una de las dos mujeres matriculadas en la escuela. “Me llamaba mucho la atención este mundo. La viola es un instrumento cuya fabricación no está estandarizada”, cuenta esta alumna de segundo.

Por el Juan Crisóstomo de Arriaga también pasan alumnos con un objetivo no profesional, como Argimiro Domínguez, de 44 años, zamorano criado en Bilbao. “Me gustan las cosas manuales y la luthería es más atractiva y precisa que otros trabajos parecidos. Soy cartero, y no creo que me dedique a ello nunca como una profesión”.

Antecedentes. Otros estudiantes del centro de Bilbao lo llevan inscrito en el árbol genealógico, como Demian Rodríguez, madrileño de 22 años y alumno de tercero. “Mi padre se dedica a ello y desde pequeño lo he vivido en casa. Él construye sobre todo instrumentos antiguos”. ¿Aspiración profesional? “El mundo del violín es bastante difícil, pero dentro del campo del instrumento antiguo es el que veo con mayor futuro”.

¿Y cuál es el presente de este oficio? Según las asociaciones profesionales, en la actualidad trabajan en España unos 100 talleres; muchos de ellos tienen que luchar contra el intrusismo, contra “el luthier-pirata, que no está establecido legalmente y que carece de la formación adecuada”, explican en la Asociación Española de Luthieres y Arqueteros Profesionales.

El taller más antiguo es Casa Parramón, en Barcelona. Desde su fundación (en 1897) han construido más de 350 instrumentos, que han comprado, entre otros, prestigiosos concertistas como Pau Casals y Gaspar Cassadó. El continuador de la saga familiar, Jordi Pinto, explica la situación actual: “La cantidad de estudiantes en España está por debajo de la media europea, y el poder adquisitivo también”.

En Madrid, Casa Solar (1948) con tres generaciones ininterrumpidas, y Roberto Coll (1931) siguen en el negocio inaugurado por sus antepasados. Pero en estos momentos Coll, de 81 años, no tiene muy claro el destino de su taller. Hoy está en tratos con otros luthieres para acordar una salida al negocio familiar. “Mis hijas han elegido otras profesiones”. Sin embargo, en el Conservatorio de Arriaga de Bilbao hay, de momento, 10 futuros luthieres a la espera.

Joshua Bell ha encantado al público en todo el mundo con su virtuosismo impresionante y el tono de rara belleza. Su curiosidad inquieta y polifacética intereses musicales le han llevado en emocionantes nuevas direcciones que le han valido el título raro de “superestrella de la música clásica.” A menudo se refiere como el poeta del violín, Bell es el ganador del Premio Avery Fisher y es el recién nombrado Director Musical de la Academia de St. Martin in the Fields. Bell, por primera vez a la atención nacional a la edad de 14 en un debut orquestal altamente aclamado con Riccardo Muti y la Orquesta de Filadelfia. Su debut en el Carnegie Hall y un contrato de grabación confirmado su presencia en el mundo de la música. Hoy en día es igualmente en el país como solista, músico de cámara, director de orquesta y compositor que interpreta sus propias cadencias para varios de los principales del repertorio de concierto. ”Bell, Gramophone dijo simplemente, es deslumbrante”.

2011 Bell presentado en los festivales de Ravinia, Tanglewood, Verbier y Mozart Medio. Se llevará a cabo con la Filarmónica de Los Angeles, Montreal, Dallas, Colorado, Atlanta, y las orquestas Sinfónica Nacional, en San Francisco, como parte de la celebración de 100 aniversario de la Sinfónica en el considerando, con la orquesta y, como líder y solista de la Academia de St. Martin in the Fields. Aspectos más destacados de otoño incluyen un recital en el Carnegie Hall, presentaciones con la Filarmónica de Nueva York y extensas giras por Europa, incluyendo ciudades como Munich, Berlín Viena y París.

2012 destacan una gira por 15 ciudades de EE.UU. con la Academia de St. Martin in the Fields, y una gira por Norte América considerando con el pianista Sam Haywood. En Europa, Bell hará una gira con la Orquesta Filarmónica de Londres y Vladimir Jurowski y en el considerando con Jeremy Denk en las ciudades que incluyen Londres, París y Berlín.

Bell, graba en exclusiva para Sony Classical, una etiqueta de obras maestras. Impresiones de Francia, su nuevo álbum con Jeremy Denk será lanzado en enero de 2012 y es la grabación de la sonata primera de Bell para Sony Classical. El disco incluirá el repertorio de Ravel, Saint-Saëns y Franck.

Desde su primer LP de grabación a los 18 años, Bell ha grabado más de 36 CDs. Lanzamientos recientes incluyen la banda sonora de For Colored Girls, en casa con amigos, ofreciendo Chris Botti, Sting, Josh Groban, Regina Spektor, Tiempo Libre y otros, la banda sonora de Defiance, Las Estaciones de Vivaldi Cuatro, El Concierto para Violín de Tchaikovsky con la Filarmónica de Berlín, El Concierto para violín rojo, The Essential Joshua Bell, la voz del violín y el romance del violín, que Billboard nombró el CD de 2004 clásico del año, y la Campana Artista Clásico del Año. También ha grabado grabaciones aclamadas por la crítica de Sibelius y Goldmark, así como conciertos de Beethoven y Mendelssohn, y ambos con sus propias cadencias, y el ganador del Premio Grammy concierto de Nicholas Maw.Su nominado al Grammy grabación de Gershwin Fantasía se estrenó una nueva obra para violín y orquesta basada en temas de Porgy and Bess de Gershwin. Su éxito dio lugar a una grabación nominado al Grammy, todo Bernstein, que incluyó el estreno de la Suite West Side Story, así como una nueva grabación de serenata del compositor. Con el compositor y virtuoso del contrabajo Edgar Meyer, Bell apareció en la Casa de cruce nominado al Grammy, la grabación de viaje corto y un disco de obras de concierto de Meyer y el compositor del siglo 19 Bottesini Giovanni. Bell también ha colaborado con Wynton Marsalis en el álbum de los niños ganadores del Grammy habla de palabras, escuchen a la del narrador y el Premio Grammy Bela Fleck de ganar perpetuo movimiento. Sony bandas sonoras de cine clásico en el que Bell ha realizado también incluyen El violín rojo, que ganó el Oscar a la Mejor Banda Sonora Original, los nominados clásicos Brit-Damas de ganador de un premio de lavanda y la Academia de cine Iris.

Bell ha estrenado obras de compositores nuevos Nicholas Maw, John Corigliano, Aaron Jay Kernis, Edgar Meyer, Ranjbaran Behzad y Greenberg Jay.

Bell y sus dos hermanas creció en una granja en Bloomington, Indiana.Como un niño, se entregaba a las pasiones que viven fuera de la música, convirtiéndose en un jugador de juegos de ordenador ávido y un atleta competitivo. Él quedó en cuarto lugar en un torneo nacional de tenis a los 10 años sin haber tomado una sola lección, y todavía mantiene su estrecha la raqueta por el. Bell recibió su primer violín a los cuatro años después de que sus padres, ambos profesionales de la salud mental, se fijó en él arrancando melodías con bandas de goma que había se extendieron alrededor de las manijas de los cajones de su cómoda. Al 12 de que hablaba en serio acerca de los instrumentos, en gran parte gracias a la inspiración de reconocido violinista y pedagogo Josef Gingold, que se había convertido en su querido maestro y mentor.

Millones de personas tienen las mismas probabilidades de haber visto Bell en The Tonight Show, como Tavis Smiley, Charlie Rose, o la mañana del CBS el domingo. En 2010, Bell protagonizó en su quinta Live From Lincoln Center presenta difusión titulado: Joshua Bell con amigos @ The Penthouse. Otros programas incluyen PBS Great Performances – Joshua Bell: West Side Story Suite del Parque Central, Concierto Día de los Caídos a cabo en el césped del Capitolio de los Estados Unidos, Sesame Street y biografía de A & E. Ha realizado dos veces en la transmisión de los premios Grammy, interpretando música desde su casa en viaje corto y la Suite West Side Story. Fue uno de los artistas clásicos primero en tener un video musical de aire en VH1, que ha sido objeto de un documental de la BBC Omnibus y él apareció como él mismo en la banda sonora del Corazón protagonizada por Meryl Streep. Bell ha sido perfilado en las publicaciones que van desde The New York Times y Newsweek de la revista People de emitir 50 personas más bellas, Gramophone y EE.UU. Hoy en día.

Dicho de Stradivarius: “Joshua Bell será el que recordaba el tiempo en 50 años”.

En 1989, Bell recibió un Artist Diploma en Interpretación de Violín de la Universidad de Indiana. Su alma mater lo honró con el Premio al Servicio Distinguido de Antiguos Alumnos sólo dos años después de su graduación.Ha sido nombrado “Leyenda Viviente de Indiana”, y ha recibido el Premio del Gobernador de Indiana Artes.

Bell fue nombrada 2010 Instrumentista del Año por Musical America de Bell, que es un integrante del Salón de la Fama de Hollywood Bowl, reconocido como un joven líder mundial por el Foro Económico Mundial, sirve en el comité de artistas de los Kennedy Center Honors y está en el Consejo de Administración de la Filarmónica de New York. Él es el ganador del Premio Humanitario de la Universidad Seton Hall, fue honrado por la Educación por la Música por su dedicación a compartir su amor por la música clásica con los jóvenes desfavorecidos y recibió el Premio de la Academia de para el logro excepcional en las artes. En 2009 actuó en el teatro de Ford ante el presidente Obama, que fue seguido por una invitación del Presidente y la Sra. Obama para llevar a cabo en la Casa Blanca.

Bell, lleva a cabo en el 1713 Gibson ex Huberman violín Stradivarius y utiliza un arco del siglo late18th francés Francois Tourte.

Para obtener más información, visite www.joshuabell.com.

Julio Andrade Malde

Posted: enero 15, 2012 in Siervos del lado oscuro, Solfeggio 3

Un ministro de propaganda nazi llamado Joseph Goebels creó un decreto universal en 1939 por el cuál se instaba a todo el mundo a afinar el LA musical a 440 Hertzios, en lugar de a 432 Hz, frecuencia a la que se afinaba toda la música hasta el momento. Desde 1939 hasta hoy en día se ha entonado a esa frecuencia.

Esto provoca en la gente pensar y sentir de una manera determinada y se la mantiene sumida en un desorden interno. En 1953 el decreto de Goebels fue aprobado por parte de la Organización Internacional de Normalización (ISO).

Esto ocurrió a pesar de los esfuerzos de un gran número de músicos franceses que apoyados por el Conservatorio de París, organizaron un referéndum para preservar el LA afinado a 432Hz.

El LA afinado a 432hz ha estado oculto al mundo por ser el punto de balance sónico de la naturaleza. 432 Hz vibra en los principios de la media de oro PHI y unifica las propiedades de la luz, tiempo, espacio, materia, gravedad y el magnetismo con la biología, el código del ADN y la conciencia.

La afinación natural a 432 Hz tiene efectos profundos en la consciencia y también en el nivel celular de nuestro cuerpo.

“La re-sintonización de instrumentos musicales y el uso de la afinación de concierto a 432 hertzios en vez de 440 hertzios, tus átomos y el ADN empiezan a resonar en armonía con la espiral de PHI de la Naturaleza.”

[Brian T. Collins]

Toda la música que escuchamos en este momento, genera una frecuencia inarmónica con el planeta y con el organismo humano.

Una nota hace 12 armónicos, porque pone en resonancia las 12 notas de la escala musical (con medios tonos y sostenidos). Las notas hacen 12 armónicos, cuando se toca una nota afinada a un LA afinado a 432 Hz. Cuando uno toca en un LA afinado a 440 Hz, sólo se hacen 8 armónicos. La música afinada a 440 Hz es música muy pobre.

La frecuencia del planeta Tierra es de 8 Hz. Las ondas alfa, la frecuencia del cerebro en estado de relajación profunda, son ondas a 8 Hz. Afinar a 440, hace que la base no sea 8, sino 8’25, lo cual significa que los armónicos que generan no son armónicos con el planeta.

El Ser Humano funciona en un rango de frecuencia que va de 16 a 32 Hertzios, lo que equivale en la escala musical, del do al do, o sea, una octava. Afinar a 440 Hz tampoco es armónico con la frecuencia del Ser Humano porque la base es 16,5.

La primera alteración física que podemos notar cuándo llevamos un rato escuchando música, es cansancio, fatiga, ganas de no hacer nada, y esto sucede porque los armónicos de la música no encajan con la frecuencia vibratoria del ser humano.

La frecuencia en la que nos mete la música afinada a 440 Hz nos hace sentir inseguridad, miedo, angustia y desorden interno.

Durante muchos años ha interesado que la Humanidad esté sumida en la oscuridad.

Si la música no está en armonía con el planeta, no está en armonía con el Ser humano y cómo consecuencia se producen alteraciones en ambos.

Para evitar que esto continúe sucediendo, deberíamos afinar la música a 432 Hz. Y podemos hacerlo pasando toda nuestra música al ordenador, y utilizar un programa que permita bajar la frecuencia. Las interpretaciones sonarán un poco más lentas, pero es casi imperceptible. Hay programas de ordenador que sirven para manejar, editar y grabar música. Por ejemplo el Audacity.

Esta música después se debe pasar a DVD en lugar de en CD, porque los CD’s no tienen capacidad de manejar 12 armónicos, sólo manejan 8 armónicos, y no serviría de nada porque estaríamos recortando 4 armónicos.

La música grabada en CD es cortante, dura, fría, en cambio grabada en DVD es más cálida porque permite grabar con los 12 armónicos.

Fuente: http://conspiraciones1040.blogspot.com/2012/01/cuando-nos-cambiaron-la-frecuencia-de.html

Nuevo proyecto discográfico dedicado a Tomás Luis de Victoria

02/12/2011

Por Guadalupe Caballero

Esta semana, la Fundación Caja Madrid junto a Universal Music, han presentado en Madrid un “ambicioso proyecto musical” dedicado a Tomás Luis de Victoria bajo el título Tomás Luis de Victoria, Sacred Works. Se trata de diez CDs a cargo del Ensemble Plus Ultra bajo la dirección de Michael Noone. Esta colección conmemora el 400º aniversario de la muerte de uno de los compositores más estrechamente vinculados a Madrid, donde vivió durante más de un cuarto de siglo y donde publicó casi la mitad de su obra, e incluye las obras compuestas por el músico durante sus 25 años de estancia en la ciudad (periodo que coincide con su etapa de madurez creativa) así como obras “perdidas” o no editadas y que existen sólo en manuscrito y otras que, aunque publicadas, nunca han sido grabadas o escuchadas en concierto. Este proyecto forma parte de la colección Los siglos de Oro, dedicada a la recuperación y difusión de la música histórica española y editada por el sello Archiv Produktion (vinculado a Deustsche Grammophon) que, especializado en interpretaciones históricas, busca la recuperación y difusión de las obras compuestas y publicadas por el compositor. Según comentó Michael Noone en la rueda de prensa, “hay que reivindicar la importancia de Victoria como un personaje con pretensiones cosmopolitas, que no solo se quedó en Madrid”. Sobre el proyecto discográfico, subrayó que “no es una integral, es una quinta parte de su labor compositora”. Noone también explicó que para la grabación buscaron el sonido de los órganos de la época, es un sonido fiel al sentido de la letra en función del sentido de la música pero es al mismo tiempo un sonido del siglo XXI no del XVI.